Texts, reflections, and critical writings that shape the conceptual ground of my practice.
Textos, reflexiones y escritos críticos que conforman la base conceptual de mi práctica.
Artist Note
I am an abstract artist working with light, material, and the state of life that remains after collapse.
Through gold and silver pigments, torn paper, fragmented matter, and repeated layers,
I explore suffering, time, and the condition of light that emerges beyond them.
My work is not representation,
but a testimony of existential reversal and life..
Soy una artista abstracta que trabaja con la luz, la materia y el estado de vida que permanece después del colapso.
A través de pigmentos dorados y plateados, papeles rasgados, materia fragmentada y capas repetidas, exploro el sufrimiento, el tiempo y la condición de la luz que emerge más allá de ellos.
Mi obra no es representación, sino un testimonio de reversión existencial y vida.
I paint light. But the light I work with is not merely a visual phenomenon; it is closer to a condition of being that reveals itself only after passing through collapse, darkness, pain, and time. My work often begins with what is broken, torn, discarded, or fractured. Torn paper, fragmented surfaces, ceramic-like textures, and the reactions between gold and silver pigments, ink, and various materials are not simply media, but material languages that carry traces of time, wound, life, and restoration. Through layering, pouring, reversing, and allowing materials to react, I build density and sculptural strata of light and vitality. What matters in my work is not the representation of form, but the revelation of what remains after life has passed through rupture. For this reason, my paintings are often less like fixed images and more like living sedimentations— accumulations of time, gravity, chance, intervention, and material response. I am interested not only in paradox as a theme, but in embodying it materially within the process of painting itself. Through dripping and pouring, paint first falls downward across the surface; when the orientation of the canvas is later reversed, the trace of descent is transformed into an image of ascent. Fragments and ruptures, in turn, become the very structures through which radiance and life emerge. In my work, light is not the denial of darkness, but the force that refuses to leave darkness as the final condition. I grew up within a Buddhist worldview and with a natural sensitivity to invisible presence. Later, my encounter with Christianity fundamentally transformed my understanding of life and death, truth and salvation, suffering and grace. Through seasons that felt close to death, I came to experience a light of life that was not symbolic consolation, but something existentially real. That experience continues to echo throughout my practice as a recurring structure of light and paradox, collapse and life, loss and grace, endurance and hope. Through abstraction, I seek to reveal the tension of existence and the testimony of life in ways that move beyond representation. Ultimately, my work is about building new layers of light upon what has been broken. It is not an attempt to beautify loss, but to give form to the life that remains after it— and to the radiance, joy, and peace that can still emerge from within its aftermath.
Pinto la luz. Pero la luz con la que trabajo no es simplemente un fenómeno visual; se acerca más a una condición del ser que solo se revela después de atravesar el colapso, la oscuridad, el dolor y el tiempo. Mi obra suele comenzar con aquello que está roto, rasgado, descartado o fragmentado. Papeles rasgados, superficies fracturadas, texturas de resonancia cerámica, y las reacciones entre pigmentos dorados y plateados, tinta y diversos materiales no son simplemente medios, sino lenguajes materiales que contienen huellas de tiempo, herida, vida y restauración. A través de capas, vertidos, inversiones y reacciones materiales, construyo densidades y estratos escultóricos de luz y vitalidad. Lo que me interesa en mi trabajo no es la representación de una forma, sino la revelación de aquello que permanece después de que la vida ha atravesado la ruptura. Por eso, mis pinturas se parecen menos a imágenes fijas y más a sedimentaciones vivas: acumulaciones de tiempo, gravedad, azar, intervención y respuesta material. No me interesa la paradoja solo como tema, sino como algo que puede encarnarse materialmente en el propio proceso de pintar. A través del dripping y el pouring, la pintura primero cae hacia abajo sobre la superficie; cuando la orientación del lienzo se invierte posteriormente, la huella de la caída se transforma en una imagen de ascenso. Los fragmentos y las rupturas, a su vez, se convierten en las estructuras mismas a través de las cuales emergen la radiancia y la vida. En mi obra, la luz no es la negación de la oscuridad, sino la fuerza que se niega a dejar la oscuridad como condición final. Crecí dentro de una cosmovisión budista y con una sensibilidad natural hacia la presencia invisible. Más adelante, mi encuentro con el cristianismo transformó profundamente mi comprensión de la vida y la muerte, la verdad y la salvación, el sufrimiento y la gracia. A través de temporadas que se sintieron cercanas a la muerte, llegué a experimentar una luz de vida que no era un consuelo simbólico, sino algo existencialmente real. Esa experiencia sigue resonando en mi práctica como una estructura recurrente de luz y paradoja, colapso y vida, pérdida y gracia, resistencia y esperanza. A través de la abstracción, busco revelar la tensión de la existencia y el testimonio de la vida de maneras que van más allá de la representación. En última instancia, mi trabajo consiste en construir nuevas capas de luz sobre aquello que ha sido quebrado. No se trata de embellecer la pérdida, sino de dar forma a la vida que permanece después de ella, y a la radiancia, la alegría y la paz que todavía pueden surgir desde su interior.
Critical Text
The New Abstraction of Life Force
Kana’s work moves within a rare field of abstraction in the contemporary moment.
While it echoes Art Informel and expressionism, it does not return to past languages, but constructs a distinct aesthetic density grounded in material, repetition, and process.
Her paintings do not aim at formal beauty, but at revealing a condition—
a space where form becomes a passage, matter becomes expression, and painting unfolds as a phenomenological revelation of the invisible.
In this work, abstraction is not an image we recognize,
but an experience that emerges through time, gravity, and material interaction.
It opens toward a dimension where life awakens what is broken,
and grace restores what has been shattered.
La nueva abstracción de la fuerza vital
La obra de Kana se sitúa en un campo de abstracción poco común en el contexto contemporáneo.
Aunque evoca el Art Informel y el expresionismo, no retorna a lenguajes del pasado, sino que construye una densidad estética propia basada en la materialidad, la repetición y el proceso.
Sus pinturas no buscan la belleza formal, sino revelar una condición—
un espacio donde la forma se convierte en tránsito, la materia en expresión,
y la pintura se despliega como una revelación fenomenológica de lo invisible.
En su trabajo, la abstracción no es una imagen reconocible,
sino una experiencia que emerge del tiempo, la gravedad y la interacción material.
Se abre hacia una dimensión donde la vida despierta lo que estaba roto
y la gracia restaura lo que ha sido fragmentado.
The New Abstraction of Life Force Encountered After Passing Anemic Abstraction Shim Sangyong (Ph.D. in Art History / Professor, Seoul National University) Kana’s work unfolds within a field of abstraction that is increasingly rare in her generation. While her paintings incorporate elements of Art Informel and the legacy of expressionism, their orientation is not toward repeating historical languages, but toward constructing a distinct aesthetic density grounded in material, repetition, and process. In a contemporary environment saturated with visual stimuli and digital spectacle, her work does not return to abstraction out of nostalgia. Rather, it positions itself critically in relation to what Walter Benjamin described as the deceptive pull of the “spirit of the time.” To follow such a current uncritically is to risk falling into illusion. Kana’s painting instead opens a space that resists this inertia. Her work retains the value of traditional painterly elements— variations of touch, tonal modulation, layering, and dripping— yet these are not directed toward formal innovation alone. Rather, they function as a means of constructing a particular kind of perceptual density. Her abstraction is not a familiar narrative, but an experience that emerges through the act of painting itself. Although her work remains open to formal experimentation, form is never the final destination. It functions instead as a meaningful point of passage. Matter and texture do not serve as mere evidence of materiality, but as expressions of an inner exaltation. Her paintings do not aim at compositional harmony or disharmony. They manifest as a phenomenological revelation of an invisible dimension. The source of this force lies beyond the modernist fixation on the two-dimensional surface, distinguishing her work from the weakened pulse of modern abstraction. Kana’s painting departs from “painting for painting’s sake,” moving toward a space where painting becomes an opening to another dimension of existence. In this sense, her work resonates with the idea of “life awakening the dead” and “grace making whole what has been shattered.” This becomes more explicit in her series “What is Radiant, What Lives and Breathes.” For Kana, life is a force— a sustaining energy that maintains existence. Her work attempts to render this life force visible. Yet within the self exists another force: the ego, capable of weakening or even extinguishing that vitality. In this tension, her work situates itself between destruction and restoration. As suggested by Pierre Teilhard de Chardin, transcendence does not originate in the self, but arrives as grace. This encounter, which precedes cognition, underlies Kana’s aesthetic. The “Amazing Grace” that appears in her work is not an abstract concept, but an experiential convergence of the human and the transcendent. In works such as Amazing Grace – Golden Wave (2018), painting becomes the movement of life itself. Gold ceases to represent; it embodies vibration, flow, and return. Kana’s work does not point toward what is already known. It opens toward an unexperienced dimension— a space where matter carries its own transcendence, and painting becomes an ongoing return toward origin.
La nueva abstracción de la fuerza vital Encontrada tras atravesar la abstracción anémica La obra de Kana se desarrolla dentro de un campo de abstracción cada vez más inusual en su generación. Aunque incorpora elementos del Art Informel y del expresionismo, no busca repetir lenguajes históricos, sino construir una densidad estética propia basada en la materialidad, la repetición y el proceso. En un contexto contemporáneo saturado de estímulos visuales, su pintura no responde a la nostalgia, sino que se posiciona críticamente frente al llamado “espíritu del tiempo”. Siguiendo a Walter Benjamin, dejarse arrastrar por esa corriente puede conducir a la ilusión. La obra de Kana, en cambio, abre un espacio que resiste esa inercia. Sus pinturas conservan valores tradicionales como la superposición, el goteo y la modulación, pero no como fines formales, sino como medios para generar una densidad perceptiva específica. Su abstracción no es una narrativa conocida, sino una experiencia que emerge del propio proceso pictórico. En su obra, la forma no es un destino, sino un tránsito. La materia no funciona como evidencia, sino como expresión de una exaltación interior. Sus pinturas no buscan armonía compositiva, sino que revelan una dimensión invisible de manera fenomenológica. Su trabajo se distancia de la lógica bidimensional del modernismo. La pintura deja de ser autorreferencial y se convierte en una apertura hacia otra dimensión de existencia. En este sentido, su obra evoca una vida que despierta lo muerto y una gracia que restaura lo fragmentado. En series como “What is Radiant, What Lives and Breathes”, esta apertura se hace evidente. Para Kana, la vida es una fuerza— una energía que sostiene la existencia. Su pintura busca hacer visible esa fuerza. Pero dentro del ser humano existe también el ego, capaz de debilitar esa vitalidad. Su obra se sitúa en esa tensión entre destrucción y restauración. Siguiendo a Teilhard de Chardin, la trascendencia no nace del yo, sino de la gracia. Ese encuentro constituye la base de su estética. La “Amazing Grace” en su obra no es un concepto abstracto, sino una experiencia de unión entre lo humano y lo trascendente. En obras como Amazing Grace – Golden Wave (2018), la pintura se convierte en movimiento vital. El oro no representa, sino que encarna flujo, vibración y retorno. Su obra no apunta a lo conocido, sino a una dimensión aún no experimentada, donde la materia contiene su propia trascendencia y la pintura se convierte en un retorno continuo al origen.
Selected Writing
Pietà Reinterpretation
I do not describe the Pietà. I move beyond the moment of death. What remains is not sorrow, but what endures after it—a life that carries hope and is fulfilled through resurrection. I work with the paradox that emerges after collapse: the light that reveals itself, and the life that does not end. My Pietà is not about loss, but about the reversal that begins when loss is no longer the end. It is a testimony of the perfect love of Jesus Christ—a love that endures unto death, and opens into freedom from death itself, and the quiet radiance of the soul.
No describo la Pietà. Voy más allá del momento de la muerte. Lo que permanece no es el dolor, sino aquello que perdura—una vida que contiene esperanza y se cumple en la resurrección. Trabajo con la paradoja que surge tras el colapso: la luz que se revela, y la vida que no se extingue. Mi Pietà no trata de la pérdida, sino del giro que comienza cuando la pérdida deja de ser el final. Es un testimonio del amor perfecto de Jesucristo—un amor que permanece hasta la muerte, y que abre hacia la libertad sobre la muerte, y la silenciosa radiancia del alma.